Né à Gand (B), le 1^er juin 1947, il passe son jury d'état à Bruxelles en 1965, puis fréquente à l’Université de Gand (RUG) le « laboratoire de psychoacoustique et courant faible » qui deviendra en 1966 l'IPEM (Instituut voor Psychoakoestiek en Electronische Muziek) après le décès du Professeur H.  Vuylsteke.  Élève libre en acoustique à la London West Bank University avec le professeur Davies de 1968 à 1971,  il sera associé à la construction des Virgin Studios à Oxford (GB), puis successivement conseiller des célèbres studios Morgan à Bruxelles et à Londres, stagiaire au Building Research Institute et au TNO Bouwakoestiek (Holland) et enfin collaborateur en acoustique et métrologie au CSTC (Centre Scientifique et Technique de la Construction : organisme belge officiel de normalisation, de mesure et de test en ce qui concerne la construction, la mesure des isolants, les niveaux de bruit, etc.) ceci à la station de recherche de Limelette.

 

 

 

En 1973, il fonde son propre bureau d'études - M.A.A. - s’occupant de l’acoustique de divers bâtiments, auditoires, théâtres, salles de conférences et de concerts, pour dès 1980 étendre son champ d’étude aux équipements audiovisuels et de scénographie.  Il fut aussi conférencier à la KUL (l’université catholique de Louvain) et participa à une multitude de colloques et de conférences tant en Belgique que dans le monde.

Il était depuis de très nombreuses années vice président de la section belge de l’Audio Engineering Society et membre de diverses institutions, commissions et groupes de travail dans les domaines de l’acoustique, de la normalisation et de l’environnement.

Parmi les réalisations dont il était le plus fier, citons à Bruxelles le Théâtre Royal de la Monnaie et les grandes salles du Palais des Beaux-Arts, sans oublier  l’hôtel Sherotel à Moscou.

Connu dans le monde entier pour avoir étudié et mis en œuvre des solutions fiables et économiques à toutes sortes de problèmes acoustiques et de vibrations, de Rabat à Istanbul, de Riad à Moscou, l’acoustique de nombreuses églises, mosquées et synagogues portent également sa signature.  L’acoustique des stations de métro de la STIB à Bruxelles, et de la STIL à Liège, c’est aussi lui !  Les cinéphiles profitent quotidiennement de la perfection de ses réalisations dans les salles bruxelloises de la Cinémathèque, de l’Eldorado ou de l’Acropole, ainsi bien sûr que du complexe Kinepolis qui reste depuis bientôt 30 ans un des modèles du genre !

Mais Jan voulait avant tout transmettre son savoir et son expérience.  Ses étudiants en acoustique des écoles de La Cambre (architecture), de l'INSAS (section son) et du Conservatoire de Mons (section musique électroacoustique) se souviendront longtemps de leur Professeur.

Tous ceux qui l’ont connu perdent un ami très cher, mais ne doutons pas que déjà il a entamé un nouveau chantier visant à améliorer l’acoustique de l’au-delà !

 Willy Aubert

 

 La crémation aura lieu dans l’intimité.

Sa famille, ses amis, collègues et connaissances se réuniront ce dimanche 21 novembre 2010 à 11 heures à la Ferme Remu, Route d’Ohain, 59, à 1332 Genval (Rixensart)...

www.maa.be

Nous apprenons avec tristesse le décès à Bruxelles (Belgique), ce vendredi 6 mars 2009 au matin, du compositeur belge Henri Pousseur des suites d’une broncho-pneumonie.

Né en 1929 à Malmédy (Belgique), Henri Pousseur allait souffler ses 80 bougies le 23 juin prochain. Le festival belge de musique contemporaine Ars Musica (lire l'article) - dont on célèbre cette année les vingt années d’existence - avait d’ailleurs prévu de fêter dignement cet anniversaire.
En hommage au défunt, les organisateurs d’Ars Musica ont décidé de lui dédier cette édition 2009 ; il était déjà prévu de lui consacrer la journée du vendredi 13 mars, avec des tables rondes et des concerts ; étant donné la disparition du compositeur, le programme de la journée a été modifié en conséquence.

Henri Pousseur effectue ses études musicales de 1947 à 1953 aux conservatoires de Liège et de Bruxelles (Belgique) et y découvre le dodécaphonisme avec Pierre Froidebise et André Souris, qui le mettront en 1951 en contact avec le Français Pierre Boulez. Dès lors, il passe à la musique sérielle la plus radicale.

Il travaille dans les studios électroniques de la WDR à Cologne (1954) et au Studio di fonologia de la RAI à Milan (1957), où il rencontrera successivement Karlheinz Stockhausen et Luciano Berio. Il fonde à son tour à Bruxelles, en 1958, le premier studio de musique électronique de Belgique (connu sous le nom de Studio Apelac), où il travaillera notamment avec Léo Küpper et Arsène Souffriau.

En 1960, Henri Pousseur entame avec le poète belge Michel Butor une collaboration qui a perduré jusqu’à ce jour.

De 1961 à 1963, Henri Pousseur travaillera également au Studio de musique électronique de Monaco. En 1965, il fera un passage au studio de musique électronique de Gent (Gand, Belgique), devenu aujourd’hui l’IPEM.

Dans les années 50, il fonde l’association « Musiques nouvelles », dont est issu l’ensemble instrumental éponyme. Celui-ci donnera son premier concert en 1961, avec l’exécution de son œuvre mobile Répons, composée l’année précédente.

Se libérant finalement du carcan d’une orthodoxie trop exclusive à son goût, Henri Pousseur se consacre dès lors à la recherche d’une réintégration dans la musique de tous les éléments syntaxiques et stylistiques bannis par ce que l’on a appelé la « série généralisée » (application à tous les paramètres musicaux - timbres, durées, nuances, tempi, …- des principes sériels que le dodécaphonisme appliquait aux hauteurs de notes, en imposant d’utiliser successivement tous les 12 demi-tons de la gamme chromatique une et une seule fois dans une « série », qui servait de trame à la composition), et qu’il qualifiait quant à lui de « série restreinte », étant donné les restrictions qu’elle imposait au compositeur…

Parallèlement à ses activités de compositeur, Henri Pousseur fut aussi un grand pédagogue. Il enseigna à l’Université et au Conservatoire de Liège (en particulier la composition à partir de 1971), ainsi qu’à Cologne, à Bâle (CH) et à l’Université de l’Etat de New-York à Buffalo (USA) ; là aussi, c'est la composition qu'il enseigna, bien au-delà d'un simple cours d'écriture.
Il deviendra directeur du Conservatoire de Liège en 1975, après avoir fondé dès 1970 dans cette ville - avec Pierre Bartholomée et Philippe Boesmans et grâce à l’appui de Robert Wangermée - le Centre de Recherches musicales de Wallonie, bien connu de nos lecteurs sous le nom de CRFMW (Centre de Recherches et de Formation Musicales de Wallonie).

En 1983, le gouvernement français chargera Henri Pousseur de diriger la remise sur pied d’un Institut de Pédagogie Musicale à Paris, institut qui allait constituer l’embryon de l’actuelle Cité de la musique de La Villette.

Retraité de ses emplois officiels en 1994 (il fut chargé de mission auprès du Ministère de la culture de Belgique francophone de son retour de Paris, en 1987, à 1994), il a encore assumé jusqu’à l’été 1999 une charge de compositeur en résidence à l’Université de Leuven (Louvain, Belgique).

Parmi les œuvres électroacoustiques et mixtes d’Henri Pousseur, on peut noter :

- Seismogrammes I et II pour bande à une piste (Cologne, 1954),
- Scambi pour bande à 2 pistes (Milan, 1957).
- Électre, pièce électronique pour un ballet de Janine Charrat (Bruxelles, 1960). Cette œuvre a valu la même année au compositeur le prix Italia.
- Trois visages de Liège, œuvre pour bande à 2 pistes (1961).
- Votre Faust (1960-1967), « fantaisie genre opéra » pour soprano, alto, ténor, basse, 5 acteurs, 12 instruments et bande, issu de sa collaboration avec Michel Butor.
- Liège à Paris, pièce électroacoustique créée en 1977 à l’occasion de l’inauguration de l’IRCAM à Paris.
- Seize Paysages planétaires, musique « ethno électroacoustique » réalisée en 2000 avec l’aide et dans le studio de son fils Denis. Associées à des images numériques, le tout étant soumis à des variations grâce au logiciel Open Media mis au point par Enrico Bagnoli, cinq de ces seize pièces deviendront les :
- Voix et Vues planétaires, musique « multimédiale » (2003/2004).

Vous pouvez consulter le catalogue complet des œuvres d’Henri Pousseur sur le site Internet du compositeur.

Henri Pousseur a également produit de nombreux écrits, dont L’Apothéose de Rameau (essai sur la question harmonique) [Paris, 1968], Fragments théoriques I sur la musique expérimentale (Bruxelles, 1970), Stravinski selon Webern selon Stravinski (Paris, 1971) et son ouvrage le plus connu, Musique, sémantique, société (Paris, 1972).

Henri Pousseur laisse derrière lui son épouse et ses quatre enfants ; à ses proches, toute l’équipe de l’ACME, qui eut la chance et l’honneur insigne d’être parrainé par lui lors de sa fondation, présente ses condoléances les plus émues.

Vinciane Baudoux

Un livre d'or a été ouvert sur le site Internet d'Henri Pousseur ; vous pouvez le consulter et le signer ici.
Il vous est également loisible de laisser un commentaire au bas de cet article.

- Lire l'interview d'Arsène Souffriau par Stephan Dunkelman, parue en 1988 dans le n° 65 des Cahiers de l'ACME.
- Lire l'interview de Léo Küpper par Fabrizio Rota, parue en 2007 dans les numéros 234 et 235 des Cahiers de l'ACME.

C’est donc plus d’un mois après la survenance de ce triste événement que nous apprenons le décès, le 18 juin dernier, du musicien électronique hollandais Michel Waisvisz, né le 8 juillet 1949.
Si nous l’avons appris que bien tardivement, son décès lui-même ne fut malheureusement pas une véritable surprise, Michel Waisvisz combattait en effet depuis de nombreux mois la maladie qui allait finalement l’emporter.

Michel Waisvisz était surtout connu comme compositeur-interprète de musique électronique en direct. Il avait développé de nouvelles interfaces permettant de piloter des instruments électroniques par le toucher. Il s’agissait parfois d’entrer directement en contact avec le courant électrique à l’intérieur même du dispositif, le musicien devenant une pièce pensante de la machine…

Michel Waisvisz fut l’un des tous premiers à utiliser des synthés sur une scène de concert, ainsi que des dispositifs de commande gestuelle.
Dans ce domaine, il inventa notamment la CrackleBox, (« Krakdoos » en néerlandais - photo à droite (c) mwais/crackle.org), un instrument de synthèse sonore analogique alimenté par piles, qui se présente sous la forme d’une petite boîte en bois dotée d’un circuit imprimé, dont les contacts sont ouverts ou fermés grâce au contact direct de la main - moite de préférence - de l’utilisateur, ainsi que des Hands (« mains »), sorte de claviers miniatures adaptés aux deux mains et équipés de capteurs variés capables de traduire instantanément les mouvements de la main, du bras et des doigts en données sonores.
Il fut également, avec Frank Bald, le concepteur de logiciels spécialement conçus pour les performances en direct, comme LiSa (« live sampling » -  voir copie d'écran  en dessous à droite), primé en 1998 à Synthèse Bourges, et JunXion.

Outre ses performances en solo et ses compositions pour le théâtre musical, il collabora avec de nombreux musiciens comme Laurie Anderson, Steve Lacy, Jan Werner (Mouse on Mars), Truus de Groot, Najib Cheradi, Hans Tutchku, Moniek Toebosch, The Nieuw Ensemble, DJ Spooky, Willem Breuker, l’Orchestre Symphonique de San-Francisco, Maarten Altena, …

En 1973, il rallie le STEIM (Studio for Electro-Instrumental Music, Amsterdam, Pays-Bas), une nouvelle structure dans laquelle des artistes issus des milieux de la musique, du théâtre, de la danse et du multimédia, ainsi que des DJ’s et des vidéastes, viennent développer leurs propres instruments de musique électronique. Au début des années quatre-vingt, il en devient le directeur.

Michel Waisvisz est par ailleurs le concepteur de la « Physical Philosophy » (littéralement : « philosophie physique »), une « philosophie » dont les axiomes sont remplacés par des objets physiques…

Il militait pour que les artistes, afin d’éviter la « contamination » de leurs œuvres par le conformisme des outils de création standardisés, adaptent outils et instruments en les modifiant (cf. le concept de « Circuit Bending »), voire les construisent sur mesure.

Dans les années ’70, en parlant des instruments électroniques, il lança le slogan : « Si tu ne l’ouvres pas, ce n’est pas à toi ! ». Cette maxime est devenue la profession de foi du STEIM : les créateurs de musique y sont en effet encouragés à jouer un rôle majeur dans la conception et la construction de leurs propres instruments destinés à la musique électronique en direct.

Plus récemment mais toujours dans la même optique, c’est encore Michel Waisvisz qui fut à l’origine du projet OIK (« Open It Kit ») au STEIM.

 En tant que performeur et dès ses débuts comme étudiant autodidacte, Michel Waisvisz s’est produit sur une grande variété de scènes, depuis les lieux intimistes destinés aux performances d’avant-garde jusqu’aux salles grand public.

Enfin, sachez qu'un article lui a été consacré dans le n° 89 de nos Cahiers (31 juillet 1989), à l'occasion de sa présence au festival Synthèse de Bourges le 10 juin 1989. Vous pouvez télécharger cet article ici.

Au revoir, Michael, les électroacousticiens, luthiers électroniques et autres « bidouilleurs de circuits » de part et d’autre de l’Escaut ne t’oublieront pas de sitôt…

Vous pensiez que le tout premier enregistrement sonore avait été réalisé en 1877 par Thomas Edison ? Eh bien non : l’inventeur du phonographe devra désormais laisser la place sur la première marche du podium des pionniers de l’enregistrement sonore à celui du « phonautographe ». En effet, Edouard-Léon Scott de Martinville, un typographe français, enregistra 10 secondes d’une voix de femme chantant « Au clair de la lune » dès 1860, soit 17 ans avant l’invention du phonographe par Edison.

Problème : si le Français a certes inventé l’enregistrement sonore (son « phonautographe » transcrivait les vibrations sonores au moyen d’un stylet sur du papier préalablement noirci à la fumée d’une lampe à huile), il n’avait pas abordé la question de la reproduction sonore, dont la paternité revient bien à Edison.
Mais tout vient à point à qui sait attendre et 149 ans à peine après la « prise de son », les chercheurs américains du Lawrence Berkeley National Laboratory (LBNL) ont réussi à reconstituer les sons à partir d’images numériques de l’enregistrement de Scott de Martinville.

C’est en février de cette année que les « archéologues sonores » de l’association américaine First Sounds, qui traque les plus vieux enregistrements sonores existants dans le monde entier, ont fourni aux chercheurs du LBNL une douzaine de « phonautogrammes » de Scott de Martinville, retrouvés à l’Académie des sciences et à l’Institut de France, à Paris.

David Giovannoni, l’historien américain des technologies audio qui a initié les travaux de recherches du LBNL, présentera les résultats de ces travaux et diffusera l’enregistrement en public ce vendredi 4 avril 2008 lors de la conférence annuelle de l’Association for Recorded Sound Collections (ARSC), qui aura lieu à la Stanford University, à Palo Alto, en  Californie (USA).

Mais pas besoin de courir réserver votre billet d’avion pour les States : vous pouvez écouter cet enregistrement historique ici ! Comme vous l'entendrez, les technologies audio ont heureusement fait des progrès depuis...

Le danseur et chorégraphe Maurice Béjart, pionnier du ballet moderne, s’est éteint ce jeudi 2 novembre 2007 à l’hôpital de Lausanne, en Suisse ; il avait quatre-vingt ans.
Béjart, de son vrai nom Maurice Berger (il se fera appeler Béjart en hommage à Armande Béjard, la compagne de Molière), fils du philosophe français Gaston Berger et lui-même diplômé de philosophie, naît le 1er janvier 1927 à Marseille (France). Il apprend la danse avec Mmes Egorova et Rousanne à l’Opéra de Paris, ainsi qu’avec Rolant Petit et, à Londres, Vera Volkova.
Sa première apparition sur scène a lieu en 1945 dans sa ville natale.
En Suède, il découvre l’expressionnisme chorégraphique et l’oeuvre musicale d’Igor Stravinski. En 1952, il signe d’ailleurs sa première chorégraphie - dont il est également le principal interprète - sur la musique de « L’oiseau de feu » du compositeur russe, pour un film suédois éponyme.

Parmi ses chorégraphies les plus connues, on peut noter « Le Sacre du printemps » (1959), toujours sur une musique d’Igor Stravinsky, ou encore le « Boléro » de Ravel (1961 - photo), toutes deux créées à Bruxelles (Belgique). Son répertoire ira de Beethoven à Pierre Henry et Pierre Schaeffer, en passant par Pierre Boulez, …

Béjart estimait avoir réalisé son premier grand spectacle chorégraphique en 1955 à Paris avec la « Symphonie pour un homme seul », sur une musique électroacoustique coécrite par Pierre Henry et Pierre Schaeffer.
Ecoutons Schaeffer s’exprimer à propos de la « Symphonie » : « Comment répondre à la clameur des foules ? Par des violons ? par des hautbois? Et quel orchestre peut se vanter d’équilibrer cet autre cri que l'homme dans sa solitude n'arrive pas à pousser ? Renonçons aux accents du violoncelle, trop lâches pour l'homme d’à présent, son épopée quotidienne et son angoisse collective. Des pas, des voix, des bruits familiers suffiront. Des pas le pressent, des voix le traversent qui font l'amour ou la guerre, le sifflement des bombes ou un air de chanson. Que le danseur moderne, sans costume ni décor, soit sans tambour ni trompette. Au rythme de son propre cœur, s'il est sincère, sa danse sera plus vraie. »
Œuvre pionnière tant au plan chorégraphique que musical, la « Symphonie pour un homme seul » rompt définitivement avec le ballet traditionnel ; Béjart considérait que le tutu était « pornographique » et rêvait de populariser la danse classique, ce en quoi il réussit parfaitement.

C’est également sur des musiques de Pierre Henry que Béjart créera son ballet « Orphée » (1958), considéré par le chorégraphe lui-même comme l’une de ses œuvres majeures, ainsi que « Messe pour le temps présent » (1967, musique co-écrite avec Michel Colombier pour les parties instrumentales).

Avec le critique Jacques Laurent, Béjart avait fondé en 1954 les Ballets de l’Etoile à Paris. Mais il n’est pas satisfait de la vie qu’il mène en France et le tournant de sa carrière sera sa nomination à la direction de la danse au Théâtre royal de la Monnaie (TRM) à Bruxelles (Belgique), où il crée son fameux Ballet du XXe siècle.
A Bruxelles, Béjart bénéficie d’une liberté et de moyens qu’il n’avait pas à Paris ; ceci, ajouté au fait qu’il restera 27 ans au TRM, explique qu’il ait créé la majeure partie de ses quelques 200 chorégraphies (!) en Belgique.
En 1987, suite à un désaccord avec Gérard Mortier, alors directeur du TRM, il quittera finalement son pays d’adoption pour la Suisse et les Ballets de Lausanne, qui lui offraient de meilleures conditions de travail et financières ; sa troupe, qu’il emmène avec lui, prend dès lors le nom de « Béjart Ballet Lausanne ».
Il terminera sa vie à Lausanne, y travaillant encore jusqu’à quelques jours avant son décès. Les trente-cinq danseurs de sa troupe répètent en effet actuellement son tout dernier spectacle, intitulé « Le Tour du monde en 80 minutes », dont la première est prévue le 20 décembre 2007 à Lausanne, avant une tournée mondiale.

Outre la musique classique (Beethoven), les derniers bastions de la musique tonale (Stravinski et Wagner) ou la musique concrète et électroacoustique (Henry et Schaeffer), Béjart puisera aux sources de nombreux courants musicaux pour y abreuver son œuvre : jazz (Duke Ellington), « musiques du monde » - mexicaine et hindoue notamment - bien avant l’invention de ce terme par Peter Gabriel, rock (Queen).
Il aura même l’audace de s’attaquer à ce monument de la musique classique qu’est la 9e Symphonie de Beethoven, dans une chorégraphie mettant en scène des danseurs de 29 nationalités, s’attachant ainsi à exprimer par la danse la métaphore de paix et de fraternité humaine contenue musicalement dans l’« Hymne à la joie », dont les instances européennes décidèrent bien des années plus tard de faire l’hymne officiel de l’Union européenne !

Mais Béjart, s’il révolutionna de fond en comble la danse du XXe siècle, connut aussi ses détracteurs. Ainsi, après avoir été accusé de plagier les nouveaux chorégraphes américains (Merce Cunningham p. ex.), il se verra reprocher ses innovations et son traitement « iconoclaste » de certaines oeuvres classiques, comme les Contes d’Hoffmann d’Offenbach (1962), ce qui lui vaudra même d’être arrêté, menotté et expulsé du Portugal en 1968 !

Tout grand créateur doit tôt ou tard faire face au problème de la transmission, et là aussi, Béjart fut innovant.
Ainsi, l’école de danse Mudra, qu’il fonda à Bruxelles en 1970, forma de danseurs et des chorégraphes dont certains connurent à leur tour la célébrité, comme les Belges Anna-Teresa De Keersmaeker, Michèle Noiret ou Michèle-Anne De Mey (la sœur du compositeur Thierry De Mey). A Mudra, outre la danse, les élèves s’initiaient également au chant, au solfège et au théâtre, ce qui paraît aujourd’hui aller de soi, mais c’était loin d’être le cas à l’époque. L'école ferma malheureusement en 1987 lors du départ de Béjart en Suisse.

« Un chorégraphe n’est pas le maître de la danse mais son premier serviteur », déclarera Béjart en 1995 dans son discours d'entrée à l’Académie des Beaux-Arts, mettant ainsi le chorégraphe dans un rapport à la danse comparable à celui du chef d’orchestre dans la musique : en effet, que serait celui-ci sans le compositeur et sans les musiciens de l’orchestre ?

Personnalité mystique, Béjart, après s’être tourné un moment vers le bouddhisme, s’était converti à l’islam soufi, qu’il avait découvert en Iran en 1973.

Quinze jours avant sa disparition, il faisait part dans une lettre de ses dernières volontés à son ami l’écrivain belge Michel Robert, à qui il confiait qu’il voulait prendre la nationalité belge, et qu’il souhaitait que ses cendres soient dispersées sur la plage d’Ostende, en Belgique…

Maurice Béjart « est sans doute déjà en train de faire danser les étoiles », a déclaré de son côté son ancien danseur étoile Patrick Dupond. Il « va laisser une lumière indélébile. Son œuvre va perdurer à travers tous les danseurs et danseuses qu'il a fait travailler ».

Nous n’en doutons pas un instant. Et que la nuit, Maurice, soit toujours constellée d’étoiles…

Vinciane Baudoux.

Cliquez ici pour lire le texte intégral de la lettre envoyée par Maurice Béjart à l’écrivain belge Michel Robert quinze jours avant son décès.

Cliquez ici pour écouter Maurice Béjart dans « L’invité du dimanche » en 1970 sur TF1 (archives INA), une émission de télévision au cours de laquelle il expose en détails sa conception de la danse.